Retrat de Mary Surai Medon

• Atribuït a Mary Stevenson Cassatt
• Entre 1885 y 1900
• 52 x 45 cm
• Pastís sobre llenç

D’acord amb l’estudi estilístic i tècnic, realitzat pels investigadors del CAEM, la peça correspon a l’estil impressionista del París de finals del segle XIX, corresponent a aquest període i lloc també, el suport sobre el qual la peça ha estat realitzada.

Han estat l’estudi estilístic e iconogràfic en aquest cas, a més d’un profund estudi tècnic, els que han portat a determinar que la peça ha estat realitzada per la inconfusible mà de Mary Stevenson Cassatt: l’última deixebla de Degas. La utilització del pastís a manera de dibuix, l’experimentació amb el mateix, l’enquadrament selectiu, i, sobretot, la representació intimista de l’enigmàtica dona, són alguns dels arguments que han portat a determinar la més que probable autoria d’aquesta peça.

Nen Jesús del sagrat cor

• Luis Paret y Alcázar
• Entre 1789 i 1799
• 69 x 55’2 cm
• Oli sobre llenç

La investigació realitzada pels experts del CAEM, ha conclòs amb l’atribució d’aquesta peça a la mà del pintor Luís Paret y Alcázar (Madrid 1746-1799). L’estudi tècnic dels seus components ha confirmat que es tracta de materials propis del segle XVIII, a més de revelar la particularitat de la utilització d’una capa de preparació amb ocre-groc, que concorda amb el tipus de preparació d’altres peces d’aquest artista.

D’acord amb l’estudi estilístic es tractaria d’una peça de fi de segle, afí a l’últim període pictòric d’aquest artista, just quan Paret adopta composicions neoclàssiques, però sense abandonar mai elements propis del rococó. Aquesta peça quedaria emmarcada dins la línia dels diversos nens Jesús de l’artista, on hi realitza fusions iconogràfiques (en aquest cas presenta elements de la Passió, del Salvator Mundi i del Sagrat Cor). No solament la iconografia és genial, sinó que qualsevol detall de la peça està realitzat de forma singularment pulcra. Una magnífica obra, en definitiva, que reflecteix la delicadesa refinada del món rococó, sumada a la minuciositat y el detallisme d’un gran miniaturista.

Verge de la llet

• Cercle de Joos van Cleve
• h. 1525
• 24 x 19 cm
• Oli sobre taula

Després de mesos d’estudi i recerca, i a partir dels resultats de les diferents anàlisis realitzades, els tècnics del CAEM vinculen a Joos Van Cleve (Clèveris?, Alemanya, c. 1485 – Anvers, Bèlgica, c. 1541), una delicada imatge de la Verge de la Llet, que evoca un afortunat model concebut per l’artista flamenc.

Es tracta d’una pintura a l’oli sobre taula de roure bàltic, en la que s’evidencia la primorosa qualitat tècnica i l’elegant estil de la pintura flamenca del segle XVI, encarnats en aquest pulcre model mariològic del pintor Joos van Cleve. El rostre càndid de la Verge desprèn serenor i afecte, mentre dirigeix una tendra mirada al Nen, aixoplugat entre els braços de la Mare.

Bodegó amb api, figues i prunes

• Francisco de Burgos Mantilla
• Segon terç del segle XVII
• 37’5 x 64 cm
• Oli sobre llenç

Els anàlisis tècnics realitzats per l’equip d’investigadors del CAEM conclouen que estem davant una obra de Francisco de Burgos Mantilla, pintor considerat seguidor i col·laborador en la producció artística de Velàzquez. Es tracta d’una composició més aviat senzilla i austera, però de gran atractiu i allunyada de l’habitual concepte pictòric dels bodegons del sis-cents. Presenta una inqüestionable qualitat plàstica, en la que la pintura ha estat aplicada de forma directa, amb una pinzellada viva i considerablement lliure. Possiblement Francisco de Burgos Mantilla va realitzar aquesta obra com estudi de captació de la naturalesa, alhora que respondria també a la demanda creixent del mercat espanyol d’obres de temàtica bodegonista.

Retrat femení

• Ludovic Gignoux
• 1901
• 40 x 55 cm
• Oli sobre llenç

Les diferents anàlisis tècniques realitzades han permès als experts del CAEM atribuir aquesta obra a Ludovic Gignoux, seguidor del pintor Joaquín Sorolla. En aquest llenç es presenta una figura femenina amb trets i atributs afins a la cultura gitana, si bé es podria considerar com una jove maja castissa, fresca i ufanosa. En destaquen els ulls negres, de mirada profunda i seductora, i el cabell atzabeja recollit, a la part posterior, amb un tocat de flors. Du un mantell castís de coloració cremosa amb el qual cobreix la seva mà i, alhora, amaga un mig somriure de complicitat. A nivell tècnic, l’artista juga amb l’aplicació de capes de diferent gruix, i la seva superposició, per crear contrastos i marcar les formes i els detalls. Si bé la llum es reparteix de manera homogènia pel llenç, l’artista ha creat petites zones de contrast en les que s’accentuen llums i ombres. Tots aquests elements creen una representació de percepció exòtica i enigmàtica a partir d’estereotips d’origen romàntic al voltant de la figura de les majes de l’època.

Retrat de Carles IV

• Francisco de Goya
• 1789
• 111,5 x 76,5 cm
• Oli sobre llenç

Exhaustiu estudi analític que permet atribuir a Goya un magnífic retrat de Carles IV, el primer d’una extensa sèrie que el pintor aragonès va realitzar del rei Borbó. Permet descobrir la matriu o prototipus originari que Goya va consumar i va patentar entre el febrer i l’abril de 1789, és a dir, la manera com va idear i va realitzar el primer retrat oficial del rei Carles IV. S’hi aporten proves contundents obtingudes en el poderós gabinet analític de la Universitat de Lleida, a les quals sempre s’ha arribat, després de tres anys d’intens estudi, amb aquella mirada plural, col·legiada, transversal i transdisciplinària que reclama la Història de l’Art del segle XXI.

Ha estat publicada per PUIG, Isidro; COMPANY, Ximo; GARRIDO, Carmen; HERRERO, Miquel Àngel: Francisco de Goya. Carlos IV. Portrait of King Carlos IV, Caem, Universitat de Lleida, col·lecció “Estudios Monográficos de Pintura”, núm. 6, Lleida, 2016.

Crist crucificat, amb la Verge Maria, Santa Maria Magdalena i Sant Joan Evangelista

• Cercle de Joos van Cleve
• ca. 1535
• 66’5 x 44’25 cm
• Oli sobre taula

Aquesta obra és un reeixit exemple de pintura flamenca cinccentista; presenta una factura formal notablement bona i és d’una considerable qualitat plàstica. Després de diverses anàlisis tècniques, els investigadors del CAEM consideren que, per la factura, ductus, materials i altres aspectes formals, cal adscriure aquesta obra al cercle de Joos van Cleve, o a un seguidor de l’entorn del pintor, possiblement format al seu taller. Les coincidències iconogràfiques i formals de diferents models de van Cleve fan pensar que es tracta d’una obra d’algú molt proper al mestre, o bé d’una reproducció pròxima a l’ambient de taller d’una obra no documentada de van Cleve, i per tant l’original de la qual es trobaria perdut o desaparegut. Així mateix, els experts del CAEM estimen que pot tractar-se d’una peça encarregada i realitzada per a algun client hispà, relacionat amb els cercles d’importació d’art flamenc.

Parella de grangers camí del mercat

• Cornelis de Vos
• ca. 1620 – 1639
• 130,5 x 121,5 cm (sense marc)
• Oli sobre llenç

Aquesta pintura podria ser una segona versió de la que van pintar Cornelis de Vos (ca. 1584-1651) i el seu cunyat Frans Snyders, conservada a The Iveagh Bequest – Kenwood House (Londres), Figures amb fruites i peça de caça. És indubtablement una obra de gran qualitat. Tot sembla indicar que va ser el mateix Cornelis qui va pintar les figures dels grangers camí del mercat, segurament amb un altre artista de taller de Frans Snyders. En tot cas, el meticulós realisme de l’estil de Cornelis de Vos no admet cap dubte.

Ha estat publicada per REGA, Iván; COMPANY, Ximo: Cornelis de Vos. Pareja de granjeros camino del mercado, Caem, Universitat de Lleida, col·lecció “Estudios Monográficos de Pintura”, núm. 4, Lleida, 2014.

Àngel de la Guarda o Àngel Custodi

• Germans Cabral y Aguado Bejarano
• 1870-1879
• 189’5 x 125 cm
• Oli sobre llenç

Aquesta llenç és una còpia pictòrica de bona qualitat de l’obra Àngel de la Guarda de Bartolomé Esteban Murillo, conservada a la Catedral de Sevilla, i que els tècnics del CAEM consideren que cal atribuir als germans Cabral y Aguado Bejarano. El patriarca de la saga, Antonio Cabral Bejerano (1785-1861) fou un dels artistes més reconeguts de la pintura sevillana de la primera meitat del segle XIX, director de l’Escola de Belles Arts i del Museo de Pinturas de Sevilla. Els seus fills Francisco, José María, Manuel, Juan Antonio i Rafael, notables pintors romàntics i costumistes, van continuar amb la tradició familiar tot mantenint els cognoms paterns. Cal assenyalar que Juan Cabral y Aguado Bejarano s’especialitzà en còpies d’obres de Murillo; també els seus germans Manuel i Francisco van dur a terme còpies de diferents llenços del pintor barroc. A més, es té notícia que Juan va sol·licitar al Capítol de la Catedral de Sevilla fer còpies de les obres de Murillo, entre les quals l’Àngel de la Guarda.

Sant Jeroni penitent

• Seguidor de Josep de Ribera
• Segles XVII-XVIII
• 160 x 120 cm
• Oli sobre llenç

Després de diverses anàlisis tècniques (fotografia digital HD mitjançant llum difusa reflectida de l’espectre lumínic visible; fotografia mitjançant llum rasant i reflectografia infraroja), els experts del CAEM han conclòs que estem davant de l’obra d’un bon seguidor del pintor valencià Josep de Ribera (Xàtiva, 1591 – Nàpols, 1652); d’un artista interessant amb una gran capacitat tècnica. Es tracta d’una atractiva composició de grans dimensions en la qual el sant es presenta de cos sencer, assegut sobre un fons rocós i desèrtic, amb les cames gairebé esteses i cobertes amb el mantell cardenalici, els braços flexionats i les mans entrecreuades subjectant una pedra a mode de pregària penitent. Així mateix, en aquesta obra Sant Jeroni és presentat com a penitent, savi i doctor de l’Església, tal com indiquen els atributs que apareixen en la composició (els llibres entreoberts, la ploma d’escriptura, el Crist crucificat, el rellotge de sorra i el capell cardenalici, entre altres).

Retrat de Johann Christoph Gugel

• Anònim, escola de Nuremberg
• 1630
• 133 x 112 cm
• Oli sobre taula

Es tracta d’un retrat interessant i molt digne de valoració que els experts del CAEM adscriuen a l’escola de Nuremberg, a un bon pintor, de notable ofici. S’hi representa un noble alemany, de mig cos sobre fons fosc, ricament abillat amb un gipó negre decorat amb brocats de motius vegetals i tabard folrat de pèl. Els atributs i les insígnies que exhibeix són prova del seu estatus social i de la seva pertinença a la noblesa alemanya. A la part superior esquerra del llenç, s’observa una inscripció que permet identificar al retratat: “H.C.G. (Hans –abreviatura de Johann– Christoph Gugel) a la seva edat de 68 anys, l’any del Senyor de 1630”. L’autor d’aquesta obra està influenciat pel tipus de retrat popularitzat pel pintor holandès Michiel Jansz. van Mierevelt (1566-1641), el més destacat representant de la retratista oficial de les primeres dècades del segle XVII. Alhora, pel que fa a l’estil, és més proper a Jan Antonisz van Ravesteyn (1570-1657), qui treballà sobretot a La Haia, fou un dels més eminents retratistes de la primera meitat del XVII, amb un tractament dels detalls molt refinat, i que, pel que sembla, fou alumne de Michiel Jansz. van Mierevelt.

Santa Marina

• Seguidor de Francisco de Zurbarán
• Segle XVIII
• 55 x 45 cm
• Oli sobre llenç

Es tracta d’un estudi de petites dimensions conservat en una col·lecció particular, datat del segle XVIII i atribuït a un seguidor de Francisco de Zurbarán (1598-1664). Es presenta una atractiva figura femenina de mig cos, amb la cara de front i el cos lleugerament inclinat cap a la dreta, sobre un fons neutre i fosc. Vesteix barret de palla d’ala ampla, camisa blanca, cosset vermell amb mànigues i du entre les mans un mantell verd. L’obra s’inspira en models de Zurbarán, en concret en les santes verges i màrtirs del pintor extremeny i el seu obrador. Així, la imatge es correspon amb una Santa Marina els referents directes de la qual són dues obres adscrites al cercle de Zurbarán i que es conserven al The Barber Institute of Fine Arts de Birmingham i en una col·lecció privada de Sevilla. Cal fer esment també que una radiografia realitzada a l’obra, en el marc de les anàlisis tècniques dutes a terme pel CAEM, ha revelat que es va reaprofitar la tela doncs a sota s’hi veu la figura d’un pelegrí, probablement un sant Jaume.

Retrat del Papa Pius V

• Atribuïda a Federico Zuccari
• Últim terç del segle XVI (després de 1566)
• 96 x 72 cm (sense marc)
• Oli sobre taula

Aquesta taula, conservada en una col·lecció particular de Barcelona, s’atribueix a l’escola italiana de la segona meitat del segle XVI, i més concretament, al cercle de Federico Zuccari (1540/41-1609). En relació amb l’estil pictòric, s’ajusta bé als seus anys finals. Deixant de banda els problemes atributius, és obra d’un artista de gran capacitat tècnica i ben informat de les novetats de la pintura romana de la segona meitat del segle XVI.

Santíssima Trinitat

• Seguidor de Rubens
• Primera meitat del segle XIX (?)
• 41 x 40,5 cm (sense marc)
• Oli sobre llenç

Es tracta d’un estudi de petites dimensions conservat en una col·lecció privada de Girona, datat de la primera meitat del segle XIX i atribuït a un copista de Peter Paul Rubens (1577-1640). L’examen visual de la peça i les anàlisis tècniques conclouen que l’obra és una còpia de la Santíssima Trinitat (ca. 1615-1620) que es conserva al Reial Museu de Belles Arts d’Anvers. Les tècniques d’anàlisi física, especialment la reflectografia d’infrarojos, revelen que es tracta d’una còpia de bona qualitat i que presenta un dibuix inicial molt detallat.

El Davallament de la Creu: segona planxa (5è estat de 5)

• Rembrandt, reelaboració de Basan / Bernard
• Primera meitat del segle XIX (?)
• 53,5 x 41 cm (impremta)
• Gravat calcogràfic sobre paper

Es tracta d’una impressió moderna, resultat de successives reelaboracions a partir del cinquè estat de la planxa calcogràfica original de Rembrandt, raó per la qual està signat i datat “Rembrandt f. cum pryvl 1633”. Tot apunta que l’estampa procedeix d’una impremta francesa, i que probablement va ser elaborada a París entre finals del segle XVIII i els primers anys del segle XIX per Pierre-François Basen o el seu fill, Henri-Louis. No obstant això, no és fàcil distingir entre les impressions de qualitat de finals del segle XVIII o principis del XIX i qualsevol de les impressions posteriors a partir de les planxes de Rembrandt, produïdes a França durant la segona meitat del segle XIX.

Adoració dels Reis Mags

• Seguidor de Luca Giordano
• Primera meitat del segle XVIII
• 71’5 x 92’5 cm (sense marc)
• Oli sobre llenç
• Col·lecció particular

Es tracta d’una obra de notable qualitat que pertany a un seguidor de Luca Giordano. Podria haver-se pintat a Espanya durant la primera meitat del segle XVIII, inspirat del natural en un model realitzat per Luca Giordano (Nàpols, 1634 – 1705) pertanyent a les Colecciones Reales de Patrimonio Nacional i que es conserva al Palacio Real de la Granja de San Ildefonso. L’escena, ben resolta, es construeix a partir d’una paleta clara, tot i que no tan punyent cromàticament com la del pintor napolità. Ens trobem davant un artista destre que fou capaç de recrear l’obra de Giordano amb mestria. Aquest llenç havia format part anteriorment del gran col·leccionista espanyol José Lázaro Galdiano (Beire, 1862 – Madrid, 1947).

El Nen de l’espina

• Obrador de Zurbarán
• Segona meitat del segle XVII (ca. 1650-1660)
• 66 x 53,5 cm (sense marc)
• Oli sobre llenç

És un llenç pràcticament inèdit de l’obrador de Francisco de Zurbarán, un Nen de l’espina conservat en una col·lecció privada madrilenya. No havia estat mai exposat i romania inèdit fins que es va publicar recentment en el catàleg raonat de l’obra de Zurbarán (Delenda, 2010). L’examen visual de la peça i les anàlisis tècniques confirmen la seva catalogació com a pintura “d’obrador”, és a dir, que segurament es va executar en l’estudi o l’obrador de l’artista, probablement sota supervisió del mestre, Francisco de Zurbarán (1598-1664).

Conjunt de tres obres

Fotografía de La esclava y la paloma de Joaquín Sorolla, obra d’Antonio García Peris (?), 1883, 22’3 x 12’6 cm

Retrat d’un Papa, obra de C. Vida, segle XIX, pintura sobre llenç, 70’5 x 60’5 cm

Acadèmia. Nu femení, obra atribuïda a Ignacio Pinazo, ca. 1900, pintura sobre taula

Es tracta d’un interessant conjunt format per tres peces. La principal és una fotografia de l’obra de Sorolla L’esclava i el colom signada i dedicada pel mateix artista l’any 1883 a Vida. Aquest és, a més, l’autor d’un destre retrat d’un Papa. També a Vida està dedicada una petita taula que representa un nu acadèmic (potser la mateixa model emprada per Sorolla), en la qual apareixen les inicials I.P., les quals ens condueixen a pensar en la possible mà d’Ignacio Pinazo.

Il·lustració i dedicatòria de Dalí

• Salvador Dalí
• 1977
• 30 x 28 cm
• Tinta negra sobre paper

Es tracta del llibre de Max Gerard Dalí de Draeger, editat per Blume (Madrid i Barcelona) el 1968, amb pròleg del mateix Dalí. El pintor va dedicar aquest exemplar a l’esposa del Dr. Puigvert el 1977, reputat uròleg i amic personal de Dalí, al qual va tractar en nombroses ocasions. La dedicatòria va acompanyada d’un dibuix original de Dalí que representa el Quixot i Sancho Panza de forma magistral, a partir de traços nets i ràpids. Es tracta d’una sumptuosa i valuosa edició perfectament conservada.

Il·lustració i dedicatòria de Dalí

• Salvador Dalí
• 1971-1976 [probablement 1974]
• 30 x 28 cm
• Tinta negra sobre paper

Es tracta del llibre de Max Gerard Dalí de Draeger, editat per Blume (Madrid i Barcelona) el 1968, amb pròleg del mateix Dalí. El pintor va dedicar aquest exemplar a Andreu Descals i Codina (Sant Friutós de Bages, 1938 – Manresa, 2011), tallista, aquarel·lista i actiu promotor cultural a la seva comarca natal.

Dalí va il·lustrar la dedicatòria amb un atractiu dibuix en què es representen tres personatges a partir de línies diagonals executades de manera ràpida i segura i que creen la il·lusió òptica d’una espiral. Els dos personatges principals, que ocupen el primer pla de la composició, presenten una connexió directa amb l’obra del mateix Dalí que duu per títol Reminiscència arqueològica de l’Angelus de Millet.

Paisatge

• Seguidor de Joaquim Mir
• 54,5 x 80,6 cm (sense marc)
• Oli sobre llenç

Es tracta de la representació d’un paisatge executada per un seguidor de Joaquim Mir. Considerem que el pintor d’aquesta obra ha volgut imitar la paleta cromàtica de Joaquim Mir, així com el seu estil, amanint una composició més aviat dura amb la incorporació d’algunes pinzellades ràpides i soltes, les quals són la base de la pintura de Mir. Es tracta d’una peça interessant, realitzada per un pintor força destre, que ens aporta una valuosa informació sobre la història de l’art a casa nostra. Aquest estudi ha comptat amb la inestimable col·laboració de la Dra. Teresa Camps.

Paisatge

• Joaquín Sorolla i Bastida
• ca. 1880-1881
• 34,6 x 16,8 cm
• Oli sobre taula

Es tracta d’una pintura a l’oli sobre taula de petit format, que mostra un paisatge fluvial o lacustre. Executada segurament del natural amb una tècnica molt depurada, va ser realitzada per Joaquín Sorolla el 1881, als inicis de la seva carrera artística. La radiografia va evidenciar que el pintor va realitzar aquest paisatge valencià en una tauleta on prèviament ja hi havia una figura humana, molt probablement obra també del mateix Sorolla. S’evidencia el seu interès pel realisme i la gran destresa en l’execució de les pinzellades 
ràpides i precises. Sorolla humanitza el paisatge representant la silueta d’una torre i una cúpula a l’horitzó, així com un cablejat elèctric acabat d’instal·lar.

Retrat de Nen

• Seguidor de Joaquín Sorolla i Bastida
• Primers anys del segle XX
• 53,5 x 38,6 cm
• Oli sobre llenç

Es tracta d’un interessant retrat d’un nen, d’uns tres o quatre anys, executat per un seguidor de l’estil de Joaquín Sorolla. Si bé la signatura és apòcrifa i la data no es correspon amb l’estada a Roma del pintor valencià, cal destacar la qualitat plàstica d’aquest retrat. La silueta de l’infant, molt marcada, amb un notable caràcter dibuixístic, es retalla sobre un fons fosc, neutre, molt habitual en els retrats de finals del segle XIX i principis del XX. Aquest es dissol a la part inferior de l’obra fins a desaparèixer, amb una tècnica que emula la del mateix Sorolla.

Inventari d’una col·lecció catalana

A la imatge Eliseu Meifrén i Roig (Barcelona, 1859-1940), Vora el Sena, darrer quart del segle XIX, 21,8 x 31,6 cm, pastel sobre paper marró.

El CAEM ha catalogat una interessant col·lecció pictòrica en què destaquen artistes hispans i catalans dels segles XVIII i XIX, com Joaquim Vayreda, gran mestre de l’escola paisatgista d’Olot; Joan O’Neill (deixeble avantatjat de Carlos de Haes), Josep Arment, José Navarro i Llorenç, Enric Galwey, Arcadi Mas i Fondevila o Eliseu Meifrèn, entre d’altres. També hi són representats pintors de la talla de Joseph-Bernard Flaugier (Martigues, França, 1757 – Barcelona, 1813) o Jan Anthonisz van Ravesteyn (la Haia, ca. 1570 – 1657).

Sant Pere

• Lluís Bonifàs i Massó (Valls, Tarragona, 1730 – 1786)
• ca. 1766-1774
• 80,5 x 45 cm x 34
• Talla de fusta policromada i daurada en bon estat de conservació.

És una escultura exempta d’extraordinària qualitat i de talla molt cuidada, una percepció a la qual contribueix, sens dubte, el fet que conservi la seva policromia original. Es tracta probablement d’una de les millors peces per a la devoció privada del mestre; en l’escultura de mida mitjana o inferior a la natural, Lluís Bonifàs hi perfecciona “[…] el detalle hasta la miniatura” –segons les paraules de C. Martinell (1948)–, i, veritablement, són poques les que se’n conserven a l’actualitat.

Sant Pere és una de les millors talles del seu estil de “plenitud” (entre 1766 – 1777).

Recentment, s’ha dut a terme una conservació preventiva i una consolidació de la superfície pictòrica.

Presentació a un dominic

Triomf de Galatea

Retrat femení

Nativitat

Retrat de Pedro Gil Moreno de Mora

Sant Elies

Retrat de la marquesa de la Torre i Salinas de Sotomayor

Sant Jeroni estudiant

La conca d’Argenteuil

Tríptic de la Passió

• Taller hispanoflamenc, amb la participació d’un mínim de dues mans: un pintor de formació flamenca (interior) i un de formació castellana (exterior).
• Primer terç del segle XVI
• 55 x 35 cm (central), 19,5 x 53 cm (laterals)
• Interior: pintura al tremp sobre pergamí prèviament encolat sobre la taula; exterior: oli i tremp sobre fusta.

Sant Agustí

• Giovanni Battista Beinaschi (Fossano, c. 1634 – Nàpols, 1688)
• Dècada de 1680
• 120 x 137 cm
• Oli sobre llenç

Aquesta obra inèdita de grans dimensions va ser atribuïda pel CAEM al pintor napolità Giovanni Battista Beinaschi (Fossano, 1636 – Nàpols, 1688), un dels principals representants del Seicento italià, després d’un exhaustiu estudi. Es tracta d’una pintura de gran qualitat, que contribueix a revalorar la figura d’aquest gran mestre barroc, redescobert fa cosa d’un segle.

Ha estat publicada per COMPANY, Ximo; FRANCO, Borja: “Il Sant’Agostino della Collezione Farnés Durán. Una nuova opera di Giovan Battista Beinaschi”, Napoli Nobilissima. Rivista di Arti, Filologia e Storia, volume LXIX dell’intera collezione, Sesta Serie, volume IV, fascicoli III-IV, maggio-agosto, 2013, pp. 99-108.

Retrat d’un home

Sagrada Família amb Sant Joan Baptista infant i Santa Caterina de Siena

Estudi de Crist

La peça va ser subhastada per la casa Abalarte el 12 de maig de 2015 [lot 108 / preu de sortida: 100.000€]

Ha estat publicada per COMPANY, Ximo; AVINYÓ, Gemma: Joaquín Sorolla. Estudio de Cristo, Caem, Universitat de Lleida, col·lecció “Estudios Monográficos de Pintura”, núm. 3, Lleida, 2013.

Resurrecció de Llàtzer

Ecce Homo